Libri, esce “Una pianta per amica” di Daniela e Luca SardellaRoma, 28 apr. (askanews) – Un legame antico e profondo, quello tra uomo e natura, da riscoprire e rinsaldare giorno dopo giorno. Perché l’ambiente che ci circonda e il verde che incontriamo nelle nostre vite, custodiscono la chiave per affrontare la transizione ecologica, via obbligata per salvare il Pianeta e mettere al sicuro le nuove generazioni. Il libro di Daniela e Luca Sardella sensibilizza il lettore al rispetto e alla cura del verde casalingo (e non solo) e alla salvaguardia ambientale. Se è provato che le piante ci aiutano a vivere meglio, a essere determinanti sono sempre più le nostre scelte quotidiane. Il volume affronta il tema della gestione del verde in tempi di crisi idrica e termica, spiega come annaffiare utilizzando poca acqua, descrive le piante che meglio purificano l’aria e quelle adatte ai climi caldi. Non mancano consigli pratici di giardinaggio e di concimazione, e suggerimenti su come prevenire e combattere le malattie delle nostre piante.
“Una pianta per amica” di Daniela e Luca Sardella, edito da Rai Libri, è in vendita nelle librerie e negli store digitali dal 28 aprile 2023. Daniela Sardella, figlia di Luca, e’ avvocato, criminologa, giornalista e conduttrice televisiva. Ha co-condotto i programmi televisivi “Il Pollice Verde sono io” su La7, “Parola di Pollice Verde” e “Sempre Verde” in onda sulle reti Mediaset e ha curato le rubriche televisive sul verde per “Quelle brave ragazze”, “Unomattina”, “Unomattina estate”, in onda sulla Rai.
Luca Sardella, autore e conduttore di diversi programmi di successo, in onda sulle reti Rai, Mediaset e su La7, tra cui “Verdissimo”, “Verde Mattina”, “Una pianta al giorno”, “Il Pollice Verde sono io”, “La vecchia Fattoria”, “Garden”, “Linea Verde Orizzonti”, “Parola di Pollice Verde”, “Sempre Verde”, e’ considerato tra i massimi esperti in agronomia della tv nonché “Pollice Verde d’Italia”. Lo stesso Michael Jackson gli ha aperto i cancelli del suo ranch di Neverland per avere dei suggerimenti. Conduce la rubrica “Speranza Verde” per il programma televisivo “Striscia la Notizia” in onda su Canale 5. E’ autore di numerosi volumi di successo editi da Rai e da Cairo Editore. Ha collaborato con prestigiosi quotidiani e periodici e cura una rubrica su TV Sorrisi e Canzoni dedicata alle piante. Cantautore e musicista, ha scritto molti brani di successo tra cui il pluripremiato Spettacolare ghiacciato composto per un noto spot televisivo, interpretato con la figlia Daniela.
Il Padiglione Italia di Fosbury: architettura collaborativaMilano, 27 apr. (askanews) – “Spaziale. Ognuno appartiene a tutti gli altri” è il titolo del Padiglione Italia alla 18. Mostra Internazionale di Architettura – La Biennale di Venezia, promosso dalla Direzione Generale Creatività Contemporanea del Ministero della cultura e curato da Fosbury Architecture (Giacomo Ardesio, Alessandro Bonizzoni, Nicola Campri, Veronica Caprino e Claudia Mainardi).
Per la prima volta un gruppo curatoriale costituito da architetti nati tra il 1987 e il 1989 porta a Venezia le istanze di una nuova generazione di progettisti under 40 (nove gruppi di progettisti e altrettanti advisor, professionisti provenienti da diversi campi delle industrie creative, per un totale di circa 50 persone con età media di 33 anni) cresciuta e formatasi in uno scenario di crisi permanente e che per questo ha fatto della collaborazione, della condivisione e del dialogo la base di ogni propria attività. Una generazione consapevole, da un lato, dell’impatto e della responsabilità del settore delle costruzioni nella crisi ambientale e, dall’altro, della crisi di rilevanza dell’architettura e del progetto nella trasformazione di città e territori. Una generazione di progettisti che, rispetto alle precedenti, è cresciuta in un regime di scarsità di risorse e di opportunità, che vive come cruciale il tema della sostenibilità, e che sa che questo è l’unico contesto nel quale potrà operare ora e in futuro. Fosbury Architecture si fa portavoce di quei progettisti italiani “nativi sostenibili” che hanno già accettato tutte queste sfide, per i quali la transdisciplinarietà è uno strumento per espandere i limiti dell’architettura e il manufatto costruito è un mezzo e non un fine ultimo. “Spaziale. Ognuno appartiene a tutti gli altri” nasce da questi presupposti e si fonda sulla visione dell’Architettura come pratica di ricerca multidisciplinare al di là dei manufatti e della Progettazione come risultato di un lavoro collettivo e collaborativo, che supera l’idea dell’architetto-autore. In questa visione, lo spazio è inteso come luogo fisico e simbolico, area geografica e dimensione astratta, sistema di riferimenti conosciuti e territorio di possibilità.
Spaziale fa dunque riferimento a una nozione espansa del campo dell’architettura: intervenire nello spazio significa operare su quel tessuto di relazioni tra persone e luoghi che è alla base di ogni progetto. “Spaziale. Ognuno appartiene a tutti gli altri” porta al centro del Padiglione Italia un processo collaborativo ad ampio spettro, un progetto inclusivo che coinvolge figure di eccellenza e comunità locali, mettendo in scena le migliori ricerche portate avanti da architetti italiani under 40 in relazione a specifiche necessità territoriali.
Per la prima volta, infatti, il Padiglione Italia è stato interpretato dai curatori come l’occasione per realizzare nuovi progetti: un attivatore di azioni concrete a beneficio di territori e comunità locali, oltre l’idea che una mostra debba essere solo “esibizione”. Per questa ragione una parte consistente dei fondi pubblici destinati al Padiglione è stata utilizzata per innescare nuovi processi o potenziare progetti esistenti aggiungendovi un nuovo capitolo. Fosbury Architecture ha individuato e invitato a collaborare nove pratiche spaziali, progettisti chiamati a sviluppare nove progetti pionieri per il Padiglione Italia: nove pratiche di architettura – architetti o gruppi italiani under 40 rappresentativi di ricerche originali, attivi in Italia e all’estero – selezionati in base all’attitudine con cui operano, i territori in cui intervengono, i mezzi che utilizzano, le questioni che sollevano e le risposte che suggeriscono, e che rappresentano un elenco, seppure incompleto, di professionisti italiani che lavorano lungo il perimetro di ciò che è considerato oggi architettura.
Per rendere i nove progetti dei prodotti transdisciplinari genuini, i curatori hanno affiancato a ciascun progettista un advisor, proveniente da altri campi della creatività: artisti visivi e performer, esperti di alimentazione e di intelligenza artificiale, scrittori e registi. Sono state poi individuate nove stazioni, siti rappresentativi di condizioni di fragilità o trasformazione del nostro Paese, dove ciascun gruppo transdisciplinare è stato chiamato a intervenire. Infine, ciascun gruppo di progettazione ha collaborato e collaborerà con una serie di incubatori – attori locali come musei, associazioni, festival culturali – con l’obiettivo di radicare ciascun progetto nel territorio di riferimento.
In questo modo i nove progetti legati al Padiglione Italia andranno a configurare le tappe di un’inedita geografia, diventando mete simboliche di un rinnovato Viaggio in Italia.
Il lavoro di ciascun gruppo risponde a una serie di temi urgenti per il contesto italiano e la disciplina in generale: sfide ‘impossibili’ se arontate a livello globale ma che arontate nei contesti locali sono in grado di produrre riscontri immediati e tangibili.
A Taranto la convivenza con il disastro verrà raccontata sui tetti della città dal collettivo Post Disaster in dialogo con Silvia Calderoni e Ilenia Caleo. Nella Baia di Ieranto, oasi naturalistica del FAI nei pressi di Napoli, gli architetti BB – Alessandro Bava e Fabrizio Ballabio – con Terraforma Festival metteranno in scena la riconciliazione con l’ambiente. A Trieste la coesistenza multiculturale verrà analizzata lungo il confine italo-sloveno da Giuditta Vendrame con Ana Shametaj. A Ripa Teatina, in provincia di Chieti, gli HPO con Claudia Durastanti coinvolgeranno la comunità nel recupero del patrimonio incompiuto. Nella terraferma veneziana, tra Mestre e Marghera, i Parasite 2.0 con Elia Fornari affronteranno il tema dell’inclusione sociale lavorando sulla democratizzazione delle attività ricreative. A Cabras, nel Montiferru in Sardegna, il gruppo Lemonot lavorerà con Roberto Flore sulla transizione alimentare. A Librino, quartiere di Catania, Studio Ossidiana collaborerà con Adelita Husni Bey a un progetto di rigenerazione delle periferie. A Belmonte Calabro, a rappresentare le aree interne italiane, il collettivo Orizzontale con Bruno Zamborlin si interrogherà sul superamento del divario digitale. Infine, nella piana fra Prato e Pistoia, i progettisti (ab)Normal e CAPTCHA in collaborazione con Emilio Vavarella investigheranno i limiti della tutela del paesaggio e della sua riproducibilità.
All’interno del Padiglione Italia non verrà dunque presentato un progetto finito, ma l’avvio di una serie di iniziative che avrà un impatto di lunga durata.
Dal punto di vista espositivo, il Padiglione restituirà la sintesi formale e teorica dei processi innescati nei nove territori nei mesi precedenti all’apertura, da gennaio a maggio, restituendo una diversa e originale immagine dell’architettura italiana nel contesto internazionale.
”Il colpo finale”, arriva il primo fumetto di TeknoydRoma, 27 apr. (askanews) – Da martedì 2 maggio sarà disponibile in tutte le librerie “Il colpo finale – Un’avventura interattiva di Ahiaaa”, il primo fumetto di Teknoyd, uno dei principali gamer in Italia nonché stella di YouTube da milioni di views. Il fumetto in uscita per Mondadori Electa rappresenta di fatto una novità assoluta in quanto si tratta del primo manga-game italiano, un’opera originale e interattiva che, come in un vero video gioco, avrà bisogno dei lettori per arrivare alla risoluzione.
Teknoyd, all’anagrafe Mouad Ait Rais, meglio conosciuto come Tek è una stella di YouTube da migliaia di seguaci. Dal 2015 grazie ai suoi gameplay di videogiochi famosi, con le rocambolesche avventure criminali di Ahiaaa e dei suoi amici ha accumulato milioni di visualizzazioni. Da sempre appassionato di anime e videogiochi, si definisce un Nerd Moderno, divertendosi sul web creando contenuti originali insieme ai suoi iscritti, che coinvolge attivamente in challenge esilaranti. Vlog, videogiochi, GTA 5 RP e Realtà Virtuale sono solo alcuni dei Top Topic del suo canale YouTube, seguito da oltre 650 mila iscritti. Proprio il mercato del gaming che Teknoyd ama e rappresenta alla perfezione è un settore in costante crescita anche In Italia tanto da diventare parte della cultura Pop, un settore sempre più interconnesso con il mondo del Cinema, delle serie Tv e degli eSports. “Sono molto contento di poter presentare questo mio primo fumetto – dichiara Teknoyd – per me è un piccolo sogno che si realizza. Sin da piccolo ho letto manga, iniziando da Naruto, e ho sempre fantasticato su come sarebbe stato bello creare la propria storia. L’idea di un manga interattivo nasce dall’unione di 2 delle mie piú grandi passioni, il gaming e il mondo manga. Con questo manga – game l’utente ha infatti la possibilità di immergersi nella lettura, senza perdere la parte di gioco più interattiva! Questo fumetto rappresenta anche la prova che i videogiochi e i manga possono essere a stretto contatto: il manga è infatti la continuazione di una storia con più stagioni nata sul mio canale Twitch e creata all’interno di un videogioco, dopo 53 episodi digitali di Ahiaa Adventure, che possono essere seguiti sul mio canale YouTube, siamo arrivati a raccontarne il finale con un manga interattivo”.
Firenze, a Palazzo Pitti la prima retrospettiva su Guido FerroniRoma, 27 apr. (askanews) – Al via la prima retrospettiva mai realizzata sul pittore Guido Ferroni (Siena 1888-Firenze 1979), esponente e fondatore del gruppo del Novecento toscano. Sarà visitabile fino al 16 luglio nella Sala del Fiorino di Palazzo Pitti.
La mostra intende presentare al grande pubblico la figura di Guido Ferroni, ricostruendone la vicenda artistica e umana nel contesto culturale del suo tempo, partendo dall’importante nucleo di opere della Galleria d’Arte Moderna: tra queste La giostra, tela suggestiva, evocatrice di uno scorcio urbano immerso in un’atmosfera soffusa di solitudine e distacco, secondo la linea metafisica di De Chirico e Sironi. Il dipinto, del 1920, incornicia la crisi esistenziale del nuovo secolo che fa sembrare estranei e inquietanti anche ambienti prima familiari. L’opera venne acquistata dalle Gallerie degli Uffizi lo stesso anno alla Esposizione Primaverile della Società di Belle Arti di Firenze, alla quale partecipavano tutti i maggiori esponenti delle avanguardie locali. Al progetto e realizzazione della mostra hanno collaborato il nipote del pittore, l’architetto Duccio Ferroni, che ha messo a disposizione documenti, opere d’arte, disegni, fotografie e oggetti appartenuti all’artista, e Loretta Cosi, vedova di Torello Cosi, uno dei più appassionati collezionisti di opere e documenti relativi all’intera attività del pittore. Saranno inoltre esposti numerosi e importanti prestiti delle collezioni della Città metropolitana di Milano, della Galleria d’arte moderna di Roma Capitale e della Pinacoteca comunale di Faenza.
La selezione di opere mette in luce le principali fasi stilistiche di Ferroni, caratterizzate da un costante equilibro tra i due ruoli che l’autore assunse per tutta la sua vita: da una parte l’artista, a confronto con il vasto pensiero storico-critico del Novecento toscano; dall’altro il docente, impegnato nel costante e gravoso lavoro di formazione delle più giovani generazioni di artisti, a cui insegnò l’attitudine tecnica della tradizione figurativa toscana. I visitatori si immergeranno dapprima nelle opere dell’esordio impressionista, passando per influenze futuriste, fino ad approdare ai toni intimi della tradizione toscana e della metafisica.
Negli anni, confermando la propria adesione alla poetica novecentista, Ferroni prese parte alla II Mostra del Novecento italiano (Milano, 1929) e alle rassegne internazionali del Novecento allestite a Buenos Aires e a Basilea, nel 1930, e a Helsinki nel 1931; dal 1930 al 1942 partecipò inoltre a tutte le edizioni della Biennale di Venezia. Il direttore delle Gallerie Eike Schmidt: “I dipinti e i disegni di Ferroni da un lato rivisitano grandi artisti del passato come Giotto e Masaccio, campioni della toscanità nel mondo, dall’altro si proiettano sulla scena dei più avanzati movimenti artistici in Europa. Il suo sguardo colpisce per l’elegante ritrosia, il rispetto per la gente ritratta, per quel profondo e nobilissimo senso storico che egli stesso definì “etrusco”.”
Guido Ferroni nacque a Siena nel 1888. Autodidatta, non seguì studi artistici regolari ma, stabilitosi a Firenze, frequentò la scuola libera di nudo dell’Accademia. Espose per la prima volta nel 1910 alla mostra della Società promotrice di belle arti di Firenze. Dopo un esordio d’intonazione impressionista, Ferroni si orientò verso nuove soluzioni formali, caratterizzate da una riduzione delle gamme cromatiche e da una atmosfera di pacata quotidianità paesana. A Firenze, nel 1927, Ferroni aderì al gruppo Novecento toscano che, legato all’ambiente letterario di Solaria, si era costituito ufficialmente quello stesso anno a Firenze. L’anno successivo partecipò alla prima mostra ufficiale del gruppo che fu ospitata nel capoluogo lombardo dalla galleria Milano. Fu docente presso l’Accademia di Belle Arti di Ravenna, dove insegnò dal 1933 al 1941, e presso l’Istituto d’arte di Lucca, dove fu in cattedra dal 1941 al 1958. Al termine della Seconda guerra mondiale si stabilì nuovamente nel capoluogo toscano, dove proseguì con coerenza l’attività pittorica. Morì a Firenze il 21 aprile 1979.
Roma, dal 12 al 14 maggio ARF! Festival del FumettoRoma, 26 apr. (askanews) – Dal 12 al 14 maggio 2023 al Mattatoio di Roma torna ARF! Festival, la festa di chi ama, legge, scrive, disegna e respira fumetti. Tre giorni di Storie, Segni & Disegni, un’immersione totale nel Fumetto al centro di Testaccio, quartiere-simbolo del fermento creativo della Capitale.
Dall’ARFist Alley per incontrare decine di stelle del fumetto internazionale (Pepe Larraz, Otto Schmidt, il Collettivo Moleste, Werther Dell’Edera, Rita Petruccioli, solo per citarne alcune), alla Job ARF!, luogo d’incontro tra case editrici e aspiranti professionisti; dall’ARF! Kids, un’area per laboratori creativi di qualità, incontri con libri e letture, sotto la guida dei migliori talenti dell’editoria per l’infanzia del panorama italiano alla Self ARF! interamente dedicata all’editoria indipendente. E gli immancabili incontri-evento della Sala Talk con i grandi del Fumetto internazionale, editori, autori e autrici indipendenti e personalità dal mondo del cinema e della musica come Lillo, Fiore Manni, Caparezza, Ivan Silvestrini, Raiz e il cast di Mare Fuori, Luana Belsito, Pera Toons, Zerocalcare, Gicaciao (Sio, Giacomo Bevilacqua, Dado e Fraffrog) Will McPhail, Zuzu, Gipi, Kalina Muhova e tantissimi altri… Confermate le Masterclass, vere e proprie classi “a numero chiuso” per tutti coloro che vogliono approfondire le conoscenze su colore, disegno e scrittura con le star del fumetto italiano e internazionale come Nicoletta Baldari (autrice del manifesto di ARF! 9), Fiore Manni & Michele Monteleone e le Lectio Magistralis tenute da tre Master del fumetto d’autore: Igort, Lorenzo Mattotti e Francesca Ghermandi.
La grande novità di ARF! 9 è il BOOKSHOW®, lo spazio espositivo di oltre 500mq (in collaborazione con la libreria Giufà) dove sarà possibile trovare una nutrita rappresentanza delle maggiori case editrici di fumetto con le proprie novità e gli autori per sketch e dediche. Per la nona edizione di ARF! saranno allestite ben 11 mostre allestite in differenti spazi, di cui tre con inaugurazioni anticipate e a ingresso gratuito. La prima il 28 aprile presso la Sala Dalì di Piazza Navona per l’esposizione in anteprima esclusiva in Italia organizzata da ARF! e l’Instituto Cervantes di Roma, De Sagittis et Seminibus di David Aja, il rinomato artista spagnolo vincitore di 5 Eisner Awards e 2 Harvey Awards. ARF! inaugurerà poi il 5 maggio la grande mostra antologica dedicata a Sergio Toppi, Geografie dell’Avventura, realizzata in collaborazione con il Municipio IX, allestita fino al 4 giugno 2023 a La Vaccheria, il nuovo spazio espositivo di Roma Capitale all’Eur. Nello stesso spazio verranno esposte le opere di VALO, la vincitrice del Premio Bartoli 2022, riconoscimento che ogni anno ARF! Festival assegna alla “Miglior promessa del fumetto italiano”.
Nell’intenso weekend di attività del 12, 13 e 14 maggio, dalle 10 alle 20, presso La Pelanda al Mattatoio, sarà possibile inoltre visitare altre 8 mostre esclusive come Caleidoscopio di Nicoletta Baldari (autrice del manifesto di ARF!2023) la fumettista, illustratrice e character designer, tra i tanti personaggi, di Frozen, Gli Incredibili, Star Wars, Spider-Man, Big Hero 6 e
Mostre, “De Sagittis et Seminibus”: l’arte di David Aja a RomaRoma, 26 apr. (askanews) – In esclusiva nazionale e per la prima volta in Italia, ARF! e l’Instituto Cervantes di Roma presentano alla Sala Dalì di Piazza Navona la mostra del rinomato artista spagnolo, vincitore di 5 Eisner Awards e 2 Harvey Awards, David Aja.
“Con un linguaggio ricco di sfumature, David Aja non è solo uno dei grandi autori contemporanei del fumetto spagnolo, ma una figura ammirata in tutta Europa. È una gioia e un motivo di orgoglio portare il meglio del suo lavoro ai romani”, afferma il Direttore Instituto Cervantes di Roma Ignacio Peyró. In “De Sagittis et Seminibus”, che sarà inaugurata il 28 aprile 2023 alle ore 18 alla presenza dell’artista, verranno esposte alcune delle creazioni più rappresentative dell’intero percorso artistico di David Aja. Dalle pagine di Daredevil e di The Immortal Iron Fist sui testi di Ed Brubaker e Matt Fraction allo straordinario ciclo di Hawkeye (Marvel / Panini Comics) che lo consacra nel comicdom mondiale; dalle avventure di Clint “Occhio di Falco” Barton in assolo senza Avengers, alle pluripremiate copertine per la Scarlet Witch di James Robinson. Inoltre le tavole di The Seeds (Berger Books / Bao Publishing, 2021), scritta da Ann Nocenti, a completamento di questa ricca esposizione romana con la quale i visitatori potranno ammirare tutti i processi creativi di Aja, in un percorso che coniuga armonicamente il suo inconfondibile tratto “classico” e al contempo modernissimo al design e alle sperimentazioni grafiche e digitali che ne caratterizzano l’intera opera.
Come sottolinea Stefano “S3Keno” Piccoli, direttore di ARF! Festival e curatore della mostra: “Con questa esposizione dedicata all’arte di David Aja, vogliamo proseguire quello stesso percorso intrapreso con altri grandi autori internazionali come Frank Quitely e Darwyn Cooke che – nel pubblicare per la Marvel e la DC Comics – riescono magistralmente a far convivere le leggendarie icone pop del fumetto supereroistico nordamericano a un segno d’autore ultra riconoscibile, caratterizzante, di alta cifra stilistica” Le opere in mostra saranno raccolte nell’ARFbook 2023, il catalogo delle mostre di ARF! disponibile presso il Bookshop di ARF! Festival dal 12 maggio al Mattatoio La Pelanda a Roma
David Aja, (Valladolid, 1977), fumettista, grafico e illustratore, si è laureato in Belle Arti all’Università di Salamanca, con specializzazione in Design e Audiovisivo, cominciando quasi immediatamente a lavorare come professionista per quotidiani e riviste periodiche come El Paìs, Rolling Stone, Men’s Health, per illustrazione editoriale, copertine di dischi e pubblicità. Come fumettista è approdato alla Marvel Comics nel 2005 cominciando a disegnare su X-Men Unlimited, Wolverine e Daredevil (da ricordare la sua storia La vita segreta di Foggy Nelson sui testi di Ed Brubaker), fino ad un primo memorabile ciclo di The Immortal Iron Fist scritto da Matt Fraction tra il 2006 e il 2008. Seguiranno The New Avengers, Captain America, Thor, Secret Avengers e nuovamente Wolverine (memorabile Debt of Death scritta da David Lapham nel 2011), ma è proprio il rinnovato connubio artistico con Fraction che nel 2012 lo porterà al suo più grande successo: Hawkeye, premiata con 2 Eisner Awards nel 2013 e altri due nel 2014. Numerosissime le copertine che firma ancora per la Marvel, tra le quali Fantastic Four, Iron Man, Black Panther, Secret Wars, Star Wars, The Punisher, Jessica Jones, Doctor Strange, X-Corps ma soprattutto per la serie Scarlet Witch, grazie alle cui illustrazioni vince il suo 5° Eisner Award nel 2016. Slegatosi dal genere supereroistico, nel 2018 con Ann Nocenti crea la miniserie ‘epica e disturbante’ The Seeds, pubblicata negli USA dalla Berger Books di Karen Berger e in Italia come volume unico da Bao Publishing, di cui Frank Quitely ha detto: “Un libro disegnato splendidamente, costruito in modo davvero completo e intelligente!”. É invece del 2021 la sua prima collaborazione con la DC Comics, con la bellissima storia breve The Devil in the detail per la prestigiosa collana d’autore Batman: Black & White, di cui cura sia i testi che i disegni.
Il segno attraverso il tempo: Accardi, Capogrossi, ReimondoTorino, 22 apr. (askanews) – Tre artisti diversi, tre stili diversi, ma anche una comune volontà di muoversi tra forma e linguaggio, alla ricerca di nuove vie per un’arte che si costruisce intorno al segno. La galleria Mazzoleni nella sua storica sede di Torino ha inaugurato la mostra “Bianco Nero Colore Chiuso Aperto”, che ospita opere di Carla Accardi, Giuseppe Capogrossi e David Reimondo. E nei loro lavori il segno assume senso e valore non solo per le comunità e il momento storico per le quali sono stati prodotti, ma – travalicando i limiti temporali – arriva fino a essere un valore universale sia sul piano materiale sia su quello simbolico. E se Capogrossi è morto nel 1972, e la Accardi nel 2014, David Reimondo vive invece una importante stagione “midcareer”.
“Mi ha affascinato molto – ha spiegato l’artista ad askanews – questa cosa che ci accomuna nella forma, cioè nel segno. Anche se il mio in certi casi può sembrare più fisico, però il segno ci accomuna. Mi è piaciuto partire proprio da questo lato formale ed estetico, perché dopo ognuno ha la propria poetica e la propria ricerca”. Per la Accardi le letture del suo lavoro hanno sottolineato le dinamiche tra positivo e negativo e la creazione di una sorta di scacchiera narrativa. Di Capogrossi è invece molto noto il segno, che pervade gran parte della sua opera e diventa la base per un vero e proprio nuovo linguaggio. Intorno a queste due figure storiche la mostra trova poi spazio per la continua volontà di battere nuove strade che caratterizza il percorso di Reimondo.
“Diciamo che con Accardi – ha aggiunto David – sicuramente ci lega di più il concetto di pieno e vuoto, negativo e positivo. E io in certi casi aggiungo anche la terza dimensione: i segni vengono in fuori o rimpiccioliscono… Quindi diciamo che con Accardi c’è questa relazione. Con Capogrossi c’è un legame anche più forte, sulla simbologia. E lui aveva creato proprio un alfabeto con dei simboli di linguaggio, che mi è certamente più legato”. Il risultato finale è, oltre che una mostra elegante e in grado di rappresentare l’evoluzione delle ricerche artistiche, anche una sorta di armonia tra il tempo e gli stili: uno spazio di riflessione su uno degli elementi chiave delle arti visive, ossia il segno e la sua gestione.
Il Tutto, il tempo, il mistero: “Everything” dei Nohlab a MilanoMilano, 22 apr. (askanews) – Un’installazione video che prova a indagare il Tutto, guidando il pubblico in una nuova dimensione della percezione, per offrire una visione diversa sull’universo, il tempo, la nostra stessa esistenza. Si tratta di “Everything”, opera dello studio turco Nohlab, ospitata a Milano da MEET Digital Culture Center con il Museo Nazionale di Arte Digitale e in collaborazione con Filmmaster Events. Nei 12:30 minuti del viaggio visivo gli artisti cercano di ritrarre “il tutto come appare”, aprendo lo spazio a “nuove possibili interazioni”.
“In Everything, come in tutti i progetti di Nohlab – ha detto ad askanews Candas Sisman, che insieme a Deniz Kader compone lo studio – noi creiamo esperienze immersive e la tecnologia ci permette di manipolare le percezioni dei sensi umani, per creare un nuovo ambiente per i corpi”. Luci, immagini, suoni, movimenti, geografie spaziali e biologiche, immaginario fantascientifico e scientifico si intrecciano in maniera affascinante, e la sensazione è quella di essere realmente trasportati altrove. “Abbiamo cercato di mettere il pubblico davanti a delle domande – ha aggiunto Sisman – davanti a dei problemi. Noi non diamo risposte, ma qualche idea e qualche suggestione sul futuro: una delle più importanti è che non dovremmo avere paure dell’ignoto e dell’oscuro, perché ci sono molte possibilità e ogni scelta definitiva finisce per escludere tutte le altre, che invece sono opportunità senza limiti”.
Il messaggio che passa è che ci sono moltissime cose che non riusciamo a percepire né a prendere in considerazione, ma proprio accettare quanta conoscenza ci sfugge può portare a una apertura al mondo in trasformazione, così come a una visione libera nei confronti delle tecnologie e delle macchine che abbiamo creato. Oltre che a una riflessione in aggiornamento sulle possibilità dell’arte digitale.
Peggy Guggenheim, 5 artisti e gli studenti dell’AccademiaVenezia, 21 apr. (askanews) – Gli studenti e le studentesse dell’Accademia di Belle Arti di Venezia hanno lavorato a fondo su cinque artisti storici collezionati da Peggy Guggenheim, per cercarne profili inediti, ma anche nuove ispirazioni per il proprio percorso formativo, e questo lavoro è stato poi riassunto in una serie di video dedicati alle figure di Edmondo Bacci, di cui alla Collezione Guggenheim è in corso un’importante mostra antologica, e di Marina Apollonio, Tancredi Parmeggiani, Giuseppe Santomaso, fino ad arrivare a Emilio Vedova. È il progetto “5 artisti veneti alla Collezione Peggy Guggenheim”, che il museo ha organizzato insieme all’Accademia.
“Questa collaborazione con l’Accademia – ha detto ad askanews Karole P.B. Vail, direttrice della Collezione Peggy Guggenheim – è una cosa fantastica, è iniziata con il desiderio di fare qualcosa insieme in occasione dei 1600 anni dalla fondazione di Venezia e ci sembrava naturale collaborare con l’Accademia su giovani artisti che sono stati sostenuti da Peggy Guggenheim ed essendo la nostra missione anche quella educativa di portare i giovani al museo in qualche modo chiudevamo una specie di cerchio”. Come Peggy guardava ai giovani artisti del suo tempo, così gli studenti di oggi hanno guardato a figure che possiedono la statura di maestri, ma nei quali è stato loro possibile anche in un certo senso rispecchiarsi, per trovare nuove traiettorie di ricerca.
“Gli studenti hanno visto delle problematiche – ci ha spiegato Riccardo Caldura, direttore dell’Accademia di Belle Arti – che, al di là della distanza del tempo, al di là dell’esito finale dal punto di vista formale, erano vive: il punto di coinvolgimento personale era analogo, le questioni di fondo erano analoghe, ed è lì che scatta qualcosa in più. Questi sono giovani che studiano storia dell’arte, certo, nel percorso formativo deve esserci la disciplina, ma frequentano soprattutto i laboratori, perché è di li che passa l’operatività di un’accademia”. L’iniziativa si inserisce nei progetti della Collezione Guggenheim per coinvolgere sempre di più i giovani e soprattutto i giovani aspiranti artisti. E la speranza, condivisa dall’Accademia di Belle Arti è che l’opera dei grandi protagonisti, vista così intimamente e da vicino, possa riverberarsi nel lavoro di chi oggi si trova a pensare come fare arte.
A Cervia un festival per Grazia Deledda, nel suo “buen retiro”Roma, 20 apr. (askanews) – Un festival per non spezzare il filo della memoria, per rendere omaggio, in modo continuativo e perenne, alla cittadina onoraria più illustre di Cervia, promuovendone l’opera tra le nuove generazioni. Ma anche un festival per creare un legame tra una dimora storica, i cui muri conservano ricordi e memorie, e la città che intende valorizzare anche i luoghi vissuti dalla scrittrice per far conoscere a tutti la storia e la locazione della “casa color biscotto”, appartenuta all’unica donna italiana ad avere vinto il Premio Nobel per la Letteratura.
Per 15 anni Cervia è stata il rifugio estivo di Grazia Deledda, che l’ha ricordata e rappresentata in almeno quattro dei suoi romanzi e in una dozzina di novelle. La prima edizione di un Festival “A Cervia per Grazia Deledda” si terrà il 13 e 14 maggio proprio a Villa Caravella, la casa comprata dalla scrittrice dopo il Premio Nobel del 1926, che le servì per mettere solide radici nella città scelta come suo ‘buen retiro’ fin dal 1920. Innumerevoli le testimonianze dei legami con Cervia: dall’amicizia con l’educatrice Lina Sacchetti e alla ‘dottoressa dei poveri’ Isotta Gervasi, al sodalizio letterario con gli scrittori Marino Moretti, Antonio Baldini e Alfredo Panzini, all’affetto che la legava all’umile stagnino Trucolo, “il gobbino dalla goccia di stagno”, reso immortale dai suoi racconti. La traccia più evidente è la dimora storica di via Cristoforo Colombo, ceduta dagli eredi a privati nel 1979. La villetta mantiene l’aspetto esterno originale ma l’interno, non essendo soggetto a vincoli, non comunica più la presenza della grande scrittrice. Anche il giardino che la circonda ha perso la sua destinazione originaria, essendo destinato a parcheggio di pertinenza del vicino hotel, che appartiene agli stessi proprietari della casa. A seguito di una recente campagna stampa, il Comune di Cervia ha avviato contatti con la proprietà che ha deciso di mettere a disposizione l’area per il festival deleddiano.
L’Associazione “Grazia Deledda, una Nobel a Cervia”, costituitasi sull’onda di questo interesse, ha voluto sfruttare pienamente questa opportunità organizzando il primo festival deleddiano cervese, un inedito nella vita culturale della città romagnola. “Ma la nostra ambizione è di riuscire a recuperare stabilmente ad un uso pubblico almeno il giardino di Grazia che, liberato dalle auto, potrebbe diventare una stazione di grande interesse culturale e turistico”, dice Marisa Ostolani, presidente dell’Associazione. “Dalla nostra associazione parte un appello alle istituzioni: una soluzione non è impossibile visto che stiamo ragionando di identità storica e nuove opportunità di offerta turistica”. Per recuperare almeno in parte la sua funzione di giardino, durante il Festival l’area sarà allestita con piante e fiori. Nella due giorni si alterneranno conversazioni tra scrittrici, letture di testi, teatro, laboratori didattici, musica e gastronomia.
“Grazia Deledda, una ribelle nel paese del vento” sarà il tema conduttore di una conversazione tra le scrittrici Rossana Dedola, Cristina Marconi e Grazia Verasani, con il coordinamento di Elena Gagliardi. Il suo carattere ribelle è stato il passe-partout che le ha aperto il mondo della lettura e della scrittura, accompagnandola fino al traguardo più ambito: la fama agognata, il Nobel inseguito. Un percorso netto di emancipazione, valido esempio ancora oggi. “Cuore ci vuole, null’altro”, una citazione da “Canne al vento”, farà da filo conduttore ad una maratona deleddiana, curata dall’attrice Lelia Serra: voci note e meno note si misureranno con i testi delle novelle cervesi di Grazia Deledda fino ad esaurimento.
“Grazia Deledda e l’omino dalla goccia di stagno” è invece il titolo dello spettacolo di Teatro di Figura di Vladimiro Strinati con un inedito assoluto: Trucolo che diventa maschera, proseguendo il suo cammino verso l’eternità al fianco di Grazia, burattina dai bei capelli bianchi e dal vestito elegante. Domenica 14 maggio, i sindaci di Cervia Massimo Medri e di Nuoro Andrea Soddu scopriranno una targa storica di fronte a Villa Caravella, che valorizzerà la dimora come tappa di un percorso culturale e del progetto Luoghi d’autore. L’iniziativa ha ottenuto il patrocinio del Comitato per i 150 anni dalla nascita di Grazia Deledda, del Comune di Cervia e del Comune di Nuoro, oltre che della Regione Emilia-Romagna. Molte le collaborazioni, in particolare da parte delle scuole Deledda, Pascoli e Liceo linguistico. Il Festival è il primo, ma non l’unico progetto dell’Associazione che intende promuovere l’eredità della scrittrice attraverso molteplici iniziative, seguendo il percorso avviato dal Patto di Amicizia siglato tra Cervia e Nuoro nel nome di una scrittrice che ha magistralmente raccontato la terra di Sardegna amando smisuratamente la “bella verde e ventosa Cervia”. L’Assessore alla Cultura Cesare Zavatta: “L’Amministrazione comunale sostiene lo spirito di questo Festival e riconosce l’importanza della figura di Grazia Deledda. Questo evento va a integrare il programma di iniziative partito a novembre 2021 per celebrare i 150 anni dalla nascita della nostra cittadina onoraria, che intendiamo continuare a valorizzare e ricordare”.
