Al Vittoriale domenica lo show contro il politicamente correttoMilano, 15 set. (askanews) – Il politicamente corretto non risparmia nessuno: arte, avventura, cinema, sport, teatro, “ovunque segna un nuovo conformismo”. Ma si può ancora riderne, in nome delle libertà? È quello che promette di fare domenica lo show di Massimiliano Lenzi “Cippa Lippa! Contro il politicamente corretto” nella casa museo Vittoriale degli Italiani, a Gardone Riviera, sulla sponda bresciana del lago di Garda. “Dal genio di Pablo Picasso considerato troppo maschilista a Cristoforo Colombo, lo scopritore dell’America, oggi accusato di non aver rispettato i nativi – dice Lenzi – da James Bond, lo 007 più famoso del mondo e sempre circondato di belle Bond girl, a Biancaneve a cui qualcuno vorrebbe togliere i 7 nani e pure il principe”.

Domenica 17 alle 21.00, al Laghetto delle danze, “Cippa Lippa! Contro il politicamente corretto”: una serata show scritta da Lenzi, e interpretata da Sarah Biacchi, nel ruolo della donna politicamente coretta e da Lenzi stesso, nei panni dell’uomo scorretto. L’esordio del duo Lenzi-Biacchi, si era visto sul palco di Sabaudia alla rassegna Mediterranea – Civiltà blu, ad agosto.

Milano, alla Galleria Fumagalli primo capoitolo del progetto LOFTMilano, 14 set. (askanews) – Galleria Fumagalli presenta, da mercoledì 13 settembre a venerdì 13 ottobre 2023, il primo progetto espositivo firmato LOFT – Light On Future Topics, nuova linea di intervento della galleria pensata per approfondire l’universo contemporaneo in tutti i suoi aspetti creativi.

La mostra collettiva Non perdere il sentiero per via degli alberi, a cura di Maria Vittoria Baravelli, punta i riflettori sui lavori di cinque artisti, le cui poetiche e produzioni artistiche si intrecciano in un racconto inedito e corale: Hisayuki Amae (Kanagawa, Giappone, 1974), Luca Boffi (Milano, 1991), Clara Cebrián (Madrid, 1991), Luigi Pensa (Torino, 2001) e Costanza Starrabba (Ancona, 1995). Il progetto espositivo crea un palcoscenico che vede protagonisti i lavori dei cinque artisti coinvolti, ciascuno dei quali è invitato a esplorare il proprio sentire e sfidare i limiti della propria ricerca interagendo con quelle degli altri. Punto focale della mostra è l’idea del giardino, campo di riflessione profondamente legato alla storia dell’arte che in Non perdere il sentiero per via degli alberi diviene metafora per la realizzazione di uno spazio di sperimentazione che vede gli artisti che lo animano coltivare la propria diversità e coesistere all’interno dello stesso racconto.

Spiega Maria Vittoria Baravelli, curatrice della mostra: “Le opere sono storie che si intrecciano come radici nutrite dal terreno fertile del talento e si snodano verso l’alto come rami di un albero che tende sempre più in alto. Perché in un mondo fluido, iperconnesso e surriscaldato, non liquefarsi per poter essere tutto, è il primo passo per poter essere ancora qualcosa”. I lavori di Hisayuki Amae, che combinano un approfondito studio della forma con le più recenti ricerche nel campo del design, dialogano con i risultati dell’indagine sul paesaggio rurale vissuto e abitato da Luca Boffi; i lavori pittorici e in ceramica di Clara Cebrián, ispirati alla vita quotidiana e caratterizzati dalla miscela unica di dettagli figurativi, parole e frasi, interagiscono con le sperimentazioni di Luigi Pensa che mescolano design contemporaneo a tecniche tradizionali artigianali; infine, le figure in pittura digitale a velature di Costanza Starrabba restituiscono l’immaginario di un universo infantile dai toni accesi e volumi esagerati.

Il risultato è un racconto corale dove narrazioni personali, esperienze e riflessioni estetiche si intrecciano e si arricchiscono a vicenda, in un inedito connubio di colori, tecniche e dimensioni creative.

Design, lavoro a distanza protagonista alla Helsinki Design WeekMilano, 12 set. (askanews) – Il design è una parte essenziale di Helsinki, capitale “più felice” al mondo secondo le classifiche e Città del Design UNESCO. Assieme al rilassato lifestyle nordico e alla simpatia, il design gioca un ruolo fondamentale nel mantenimento della qualità della vita e nella costruzione di un futuro sostenibile. E questo settembre, il design può essere visto e sentito in città ancora più del solito, grazie alla 18a edizione della Helsinki Design Week e Habitare, il più grande evento finlandese di arredamento, design e decorazione.

La Helsinki Design Week è in corso e si svolgerà sino al 17 settembre 2023 con oltre 130 eventi in diverse parti di Helsinki, da studi aperti a conferenze e mostre. Il tema del festival per il 2023, “C’era una volta”, segna l’inizio di un periodo di festival triennale che culminerà nel 20esimo anniversario della Helsinki Design Week nel 2025.

La situazione mondiale è incerta da molto tempo e richiede maggiore pianificazione e stabilità rispetto a prima. La mostra principale esplora i recenti cambiamenti nelle nostre vite causati dal lavoro a distanza, che mette alla prova il nostro rapporto con i luoghi: quando il privato diventa pubblico e la casa si trasforma in un ufficio. La buona vita quotidiana è il tema della mostra principale e il fondamento di tutto per la curatrice Ulla Koskinen, fondatrice e caporedattrice della rivista Asun. “Una buona quotidianità significa equilibrio, scioltezza, sicurezza, riposo e ricarica delle batterie; lavoro e altri aspetti della vita in equilibrio. Viene sottolineata l’importanza della casa, del luogo di lavoro e dei nostri percorsi quotidiani: devono essere funzionali, belli e piacevoli”, afferma.

E il pensiero progettuale inizia già a scuola. La città di Helsinki, insieme con la Helsinki Design Week, presenterà il suo secondo Helsinki Design Award alla Arabia Comprehensive School, dove l’educazione al design e all’architettura inizia dalla prima elementare. L’Helsinki Design Award è un riconoscimento alle azioni e ai creatori che rendono questa città un posto migliore in cui vivere. Quest’anno il premio si concentra sull’educazione all’architettura e al design, un campo in cui in Finlandia si svolge da molto tempo un lavoro di sviluppo multidisciplinare acclamato a livello internazionale. Alla Arabia Comprehensive School di Helsinki, il Design Thinking è la spina dorsale delle attività e del curriculum della scuola dal 2016.

L’incenso di Pascali: un omaggio da The Open Box a MilanoMilano, 12 set. (askanews) – Un omaggio a Pino Pascali che è anche un atto concettuale, tipico della poetica di Gaspare Luigi Marcone, curatore di The Open Box a Milano, un garage dove trova cittadinanza l’arte contemporanea. In questo caso con un’operazione effimera, solo tre ore in una sera, che, nel fumo degli incensi, ricrea al Box l’unico storico happening di Pascali.

“Invitato a una mostra omaggio a Corradino di Svevia, siamo a Torre Astura a Nettuno nel 1965 – ci ha spiegato lo scrittore e critico Roberto Lacarbonara – Pascali decide di presentare una scultura-memoriale inserita in un monumento alla memoria di Corradino di Svevia, poi di improvvisare una performance. Sceglie la cripta come luogo espositivo e attraverso l’incenso va a saturare interamente questo spazio fino a creare quasi un momento di mancamento per se stesso ma anche per i presenti”. Incenso che, nel giorno della morte di Pascali, l’11 settembre del 1968, ha saturato anche lo spazio bianco del Box. “L’operazione di questa sera – ha aggiunto Lacarbonara – rievoca quel momento, quello in cui per la prima volta di fronte a un pubblico Pascali decide di intervenire attraverso un’azione che lo vede coinvolto non solo come scultore ma anche come attore”.

L’evento, realizzato in collaborazione con la Fondazione Pino Pascali, sarà ripetuto anche a Polignano al Mare il 19 ottobre, questa volta nella data del compleanno dell’artista.

BAM Milano, il 17 settembre la musica classica nel parcoMilano, 8 set. (askanews) – La Fondazione Riccardo Catella ha annunciato per domenica 17 settembre la quinta edizione di “Back To The City Concert – La grande musica classica nel Parco”, evento ideato e diretto da Francesca Colombo, direttore generale culturale di BAM – Biblioteca degli Alberi Milano, Fondazione Riccardo Catella. Il concerto open air, gratuito e aperto a tutti, è inserito nel palinsesto di BAM, in linea con la volontà di Fondazione Riccardo Catella di offrire alla cittadinanza un programma di esperienze culturali nelle quali la natura è protagonista e fonte di ispirazione.

Il quinto “Back to the City Concert” celebra l’anniversario del lancio della programmazione culturale di BAM, avvenuto a settembre 2019 con la Filarmonica della Scala invitata proprio per la prima edizione del concerto. Da allora, sul palco del Back to the City Concert si sono alternate quattro Orchestre di fama internazionale, 265 musicisti, 10 solisti, e oltre 20.000 persone hanno potuto ascoltare sedute sui prati del parco le musiche scritte dai più grandi compositori sette-ottocenteschi, fino ai contemporanei. Sul palco di BAM quest’anno salirà il compositore e violoncellista Giovanni Sollima nella doppia veste di solista e direttore dell’Orchestra Giovanile Luigi Cherubini, fondata e diretta da Riccardo Muti e formata da giovani strumentisti, tutti sotto i trent’anni e provenienti da ogni regione italiana, selezionati attraverso centinaia di audizioni da una commissione costituita dalle prime parti di prestigiose orchestre europee.

Il concerto sarà gratuito.

Fondazione Prada, Wes Anderson e nuova programmazione del cinemaMilano, 4 set. (askanews) – Dal 1 settembre 2023 il Cinema Godard di Fondazione Prada rilancia la propria programmazione che esplora il panorama cinematografico del presente e del passato come un festival aperto e in continua evoluzione. I registi internazionali Wes Anderson, Werner Herzog e Rebecca Zlotowski sono i protagonisti dei tre incontri che inaugureranno la nuova stagione curata da Paolo Moretti. La mostra “Wes Anderson – Asteroid City: Exhibition” aprirà al pubblico nella sede di Milano di Fondazione Prada dal 23 settembre 2023 al 7 gennaio 2024 in occasione dell’anteprima italiana dell’ultimo film del regista americano.

Come ha affermato Miuccia Prada, “il cinema è un laboratorio di nuove idee e uno spazio di formazione culturale, per questo abbiamo deciso di dedicare la nostra sala a Jean-Luc Godard. La forza sperimentale e visionaria della sua ricerca è uno stimolo continuo a rinnovare l’impegno della Fondazione nella diffusione dei linguaggi cinematografici e visivi e nell’esplorazione di forme di narrazione emergenti, attivando un luogo di conoscenza del mondo e della vita delle persone”. Il nuovo nome del cinema di Fondazione Prada rende omaggio a una delle figure più visionarie e innovative della cinematografia mondiale, capace di influenzare con la sua opera generazioni di cinefili, artisti e spettatori. Il Cinema Godard rinforza il legame ideale con il regista franco-svizzero che ha concepito e realizzato per la Fondazione le sue uniche installazioni permanenti aperte al pubblico: “Le Studio d’Orphée” e “Accent-soeur”. Da febbraio a dicembre 2023 Fondazione Prada sta dedicando a Godard una retrospettiva che analizza la sua vasta e complessa produzione, presentando a settembre British Sounds (1970), Pravda (1970), Vento dell’est (Le vent d’est, 1970) e Lotte in Italia (1971).

Sabato 16 settembre alle 20:30, la regista e sceneggiatrice francese Rebecca Zlotowski sarà al centro di una conversazione sull’insieme della sua opera, dal film d’esordio Belle épine (2010), che ha rivelato Léa Seydoux ed è stato selezionato alla Semaine de la Critique di Cannes, al più recente I figli degli altri (Les enfants des autres, 2022), presentato in concorso all’edizione 2022 della Mostra del Cinema di Venezia. Domenica 17 settembre alle 20, il regista e scrittore tedesco Werner Herzog sarà il protagonista di un incontro con il pubblico. In questa occasione presenterà il suo ultimo film The Fire Within: A Requiem for Katia and Maurice Krafft (2022), dedicato ai noti vulcanologi e cineasti francesi e distribuito nelle sale italiane da I Wonder Pictures, e l’anteprima italiana di Theater of Thought (2022) che esplora il mistero del cervello umano tra scoperte neuroscientifiche e tecnologiche e le loro implicazioni etiche e filosofiche. Oltre ai due film inediti verrà presentata una selezione dei suoi lavori documentari a partire dagli anni Duemila, molti dei quali mai usciti in sala in Italia. Venerdì 22 settembre alle 20:30, l’anteprima italiana di Asteroid City (2023), l’ultimo lavoro di Wes Anderson presentato al Festival di Cannes 2023 e distribuito da Universal Pictures International Italy dal 28 settembre nelle sale italiane, sarà accompagnata da un incontro con il regista americano. “Wes Anderson – Asteroid City: Exhibition”.

Dal 23 settembre 2023 al 7 gennaio 2024 Fondazione Prada, in collaborazione con Universal Pictures International Italy, presenterà a Milano la mostra “Wes Anderson – Asteroid City: Exhibition” in occasione dell’anteprima italiana del film. Dopo una prima esposizione a Londra, il progetto sarà ospitato nella galleria Nord della Fondazione e includerà una selezione di scenografie originali, oggetti di scena, modellini, costumi e opere d’arte presenti nel film. Le installazioni immersive trasporteranno il pubblico nell’universo creativo dell’undicesima pellicola di Wes Anderson, ambientata nel 1955 in un’immaginaria città americana nel deserto. Il film racconta di un convegno di giovani astronomi e cadetti spaziali, che riunisce studenti e genitori di tutto il paese, sconvolto da misteriosi eventi che cambieranno il mondo. A distanza di due anni da The French Dispatch, Wes Anderson torna sul grande schermo con una pellicola che combina la fantascienza con lo spirito di Broadway e che racchiude i tratti caratteristici che hanno consolidato la fama internazionale dell’autore americano. Il film di straordinaria forza plastica e grande ricercatezza compositiva si avvale di un cast corale di talenti internazionali come Jason Schwartzman, Scarlett Johansson, Tom Hanks, Jeffrey Wright, Tilda Swinton, Bryan Cranston, Edward Norton, Adrien Brody, Liev Schreiber e Hope Davis. Asteroid City evoca con ironia paure collettive (la bomba atomica) e individuali (la solitudine) e costituisce un ulteriore sviluppo dell’originale e raffinata poetica del regista americano.

Torna Festivaletteratura: a Mantova nel segno di Italo Calvino

Le opere su carta di Schifano in mostra a Milano da Giò MarconiMilano, 1 set. (askanews) – Fondazione Marconi e Gió Marconi hanno annunciato la mostra “Mario Schifano TUTTO nelle carte…” una retrospettiva cha apre a Milano il 22 settembre a cura di Alberto Salvadori che intende gettar luce sull’ampia e variegata produzione di opere su carta degli anni Sessanta di Mario Schifano.

Il progetto, realizzato con il supporto dell’Archivio Mario Schifano, affianca la mostra Mario Schifano: The Rise of the ’60s curata da Alberto Salvadori e organizzata da Magazzino Italian Art in occasione dell’apertura del nuovo padiglione espositivo Robert Olnick Pavilion in Cold Spring, New York. In mostra sarà presente una selezione di opere su carta che intende ripercorrere i cicli più noti che l’artista affronta contemporaneamente anche su tela, a partire dai Monocromi fino ad arrivare a Compagni compagni. L’opera e il viaggio di Mario Schifano sono stati intensi e mai lasciati soli. La produzione di opere su carta è importante e copiosa. Per l’intero decennio dei Sessanta dalle carte in mostra si può evincere come per Mario Schifano l’arte fosse TUTTO: è l’arte che si svolge e rivolge all’oggetto, alla realtà, ad una nuova coscienza attenta, in relazione alla città, allo spazio umano, alla vita, alle passioni. Nelle opere su carta, come nei dipinti, vivida è la testimonianza di come tutto agisse su di lui, sul suo modo di vedere, pensare: i film, la segnaletica, la pubblicità, la politica, gli amori, le amicizie. Nulla sfugge alla necessità di fissare su un supporto il momento, l’idea fulminea, il concetto. Lui meglio di altri capisce, subito e autonomamente, differenziandosi, in assonanza prima dai fenomeni americani come la pop e il new dada, e poi da chiunque altro per l’intera carriera, come l’arte sia vita e viceversa. Le carte sono la mappa geografica del suo lavoro, del suo pensiero. Le opere su carta occupano uno spazio importante nella sua opera: sono essenziali per una lettura in analogia sia in termini di rapporto di somiglianza con i dipinti sia in termini linguistici con l’intero suo lavoro. Dai primi anni del monocromo, che contiene e rielabora la grafica di strada, il linguaggio della cultura pop, non intesa come pop art, bensì come quella popolare dei pittori d’insegne, fino alle tele emulsionate, le carte sono sempre presenti come costante dell’idea che attraversa il momento.

Nel suo mondo le immagini non funzionano più nel modo in cui siamo abituati a leggerle, siamo costretti a riconsiderale, svaniscono i rapporti tradizionali della composizione lasciando spazio alle mille possibilità che l’artista sceglie e determina come passaggio ineludibile. Quello che viene dato per scontato in termini pittorici e fotografici con Schifano evapora, ci pone di fronte ad un nuovo modo di affrontare realtà e invenzione che in lui diviene manipolazione attraverso la pittura, indifferentemente dal supporto. Il lavoro, nel decennio dei Sessanta, ci porta ad analizzare le funzioni, gli usi, i ruoli sociali, i contesti culturali e politici. Con Schifano emerge la necessità della domanda: quali sono i nuovi ambiti di creazione? È un esercizio di filosofia legato all’esperienza di vita, un richiamo all’analisi dei comportamenti reali e diffusi, in antitesi a quelli elitari o specialistici. Schifano, con la sua opera – che poi è la sua biografia – appare come un sodale dalle connotazioni accentratrici, autoritarie, per aprirci poi improvvisamente, al contrario, a un sistema aperto, volontario e partecipativo alla sua arte. All’ontologia si contrappone l’uso, all’autorialità l’accesso e la partecipazione, all’appropriazione l’adozione, alla creatività l’attribuzione di significato. Tutto è a disposizione, va condiviso, scelto. Dall’archivio in divenire, – costituito dalla mole di carte disegnate, dipinte – come disponibilità dei materiali e pretesa di totalità, si deve passare alla collazione pittorica come esercizio del distinguere, rovistare, selezionare, riciclare Schifano è empirico e sperimentale, è affamato del mondo che gli si palesa davanti, trasforma tutto in pittura pura. Non è necessario che sia sulla tela, vive anche sulla carta.

Festivaletteratura, da 6 settembre a Mantova 350 autori dal mondoMilano, 31 ago. (askanews) – Dal 6 al 10 settembre 350 autori da tutto il mondo arrivano a Mantova per un’edizione di Festivaletteratura che va alla ricerca delle parole per leggere e raccontare il nostro tempo. Un’edizione che ricorderà Michela Murgia, soprattutto attraverso i suoi libri e la sua scrittura, di cui parleranno Marcello Fois, Alessandro Giammei e Bianca Pitzorno.

Un Festival che si confronta con i canoni, si allea con le Arti tutte, punta lo sguardo sulla storia recente, rimette al centro istanze sociali che sembrano scomparse dal dibattito pubblico, mette in dialogo autori e lettori,si pone al servizio di giovani e bambini, coinvolge musei e centri di ricerca, parla di luoghi lontani, di sport e di ambiente e non vuole smettere di essere romantico. Per farlo coinvolge anche quest’anno ospiti nazionali e internazionali come il Premio Nobel Olga Tokarczuk, il Booker Prize Shehan Karunatilaka, Guadalupe Nettel – che porta il suo libro in anteprima mondiale – Jonathan Coe, Mircea Cartarescu. E ancora l’omaggio a Italo Calvino con l’escape room Ludmilla di We Are Muësli, l’omaggio corale a Carla Lonzi, i DJ set letterari a cura di Radio Raheem, il concerto di musica elettronica di NicoNote ispirato al Romanticismo tedesco, il giornalismo narrativo di Witold Szablowski, le storie di scrittura di Colm Tóibín, l’AI indagata da Gerd Gigerenzer, le migrazioni raccontate da Gaia Vince, e molti altri incontri ed eventi.

F1, GP di Monza: il trofeo disegnato dall’artista Ruth BerahaMilano, 29 ago. (askanews) – L’arte contemporanea torna a dialogare con il mondo dello sport: i trofei che verranno innalzati sul podio del Formula 1 Pirelli Gran Premio d’Italia 2023 sono stati disegnati dall’artista Ruth Beraha. Il progetto è voluto da Pirelli, title sponsor del Formula 1 Pirelli Gran Premio d’Italia 2023, e dal museo di arte contemporanea Pirelli HangarBicocca, è giunto alla sua terza edizione.

Tifone è il titolo del trofeo prodotto in quattro esemplari (tre per i piloti a podio e uno per il rappresentante del Team vincitore) concepito da Ruth Beraha, artista italiana che per questa commissione trasforma parti meccaniche delle monoposto da competizione – come gli scarichi – in forme organiche di reminiscenza mitologica e dalla parvenza di serpenti. “Mi interessa scardinare la dualità dell’immaginario vincitori e vinti, l’idea che qualcuno trionfi su qualcuno che perde. Sono partita dalla figura del pilota sul podio e ho immaginato il trofeo come una creatura domata e mansueta nel momento in cui il vincitore la tiene in mano, ma che rimane potenzialmente sempre minacciosa e capace di rimettere tutto in gioco”. Racconta così la sua idea di premio per i vincitori di Formula 1 l’artista italiana Ruth Beraha (nata a Milano nel 1986, vive e lavora a Bologna) la cui pratica artistica esplora da anni i temi della relazione e dei rapporti tra esseri umani nella società, permeati sempre dalla tensione tra forza e fragilità, potere e subalternità.

L’esito è un trofeo vibrante e vitale che trae ispirazione dalle parti meccaniche dell’automobile – e in particolare dal sistema di scarico – per assumere le sembianze di una creatura della mitologia greca, Tifone, che dà infatti il titolo al trofeo. Figlio di Gea e padre di alcuni dei più famosi mostri mitologici, Tifone è un mostro dalla forza straordinaria con cento serpenti sulla testa, personificazione delle manifestazioni più violente della natura. Questo oggetto d’arte, dedicato a tutti i piloti, rappresenta da una parte un fascio di tubi metallici di un motore da corsa e dall’altra un insieme di serpenti argentati con le fauci spalancate. Tifone diventa così la metafora dell’enorme sforzo necessario per raggiungere la vittoria e della complessa relazione che lega il pilota alla tecnologia della sua monoposto: potenza capace di portarlo alla vittoria e forza difficile da controllare completamente. Il pilota sul podio è immaginato dall’artista come la moderna trasposizione dell’eroe greco, che, nell’attimo della sua vittoria, stringe in mano il fascio di serpenti solo momentaneamente domati. Tifone è un’immagine potente, la cui energia compressa sembra pronta a riprendere vita evocando al tempo stesso il trionfo della vittoria e la sua natura effimera e ingannevole.

Nato come commissione da parte di Pirelli e del museo di arte contemporanea Pirelli HangarBicocca che ha curato la selezione dell’artista, il trofeo del Formula 1 Pirelli Gran Premio d’Italia 2023 rappresenta un processo produttivo che unisce alta tecnologia e lavorazioni robotizzate come il taglio e la realizzazione in 3D, nonché lavorazioni di artigiani specializzati nella saldatura, lucidatura, assemblaggio e doratura, con una vera e propria operazione di oreficeria. È il terzo anno che Pirelli, in occasione del Gran Premio in cui è title sponsor, commissiona a un’artista italiana, insieme a Pirelli HangarBicocca, la realizzazione di un trofeo da innalzare sul podio, contribuendo a creare un legame tangibile tra l’espressività contemporanea e la costante tensione all’innovazione della Formula 1. Nel 2021 la commissione è stata affidata all’artista Alice Ronchi in occasione del Formula 1 Pirelli Gran Premio del Made in Italy e dell’Emilia-Romagna 2021 a Imola e nel 2022 a Patrick Tuttofuoco per il Formula 1 Pirelli Gran Premio d’Italia 2022 a Monza.